“El gran error del arte contemporáneo es que ha querido destruir la técnica y el oficio”

El MEAM no sois un museo corriente. ¿De qué va?

El MEAM lo que pretende es un planteamiento filosófico. Este consiste en que el arte del siglo XX se ha caracterizado por la destrucción de la forma, por elevar la abstracción y la experimentación a algo sagrado, así como por la destrucción de los valores tradicionales. Pero ahora con el final del siglo vemos que el ciclo se da por satisfecho, la destrucción de la forma ya no da para más.

¿No queda ya camino por recorrer en esta dirección?

Cuando ya has destruido la forma, ya no hay más camino: está destruida y punto. Entonces la vida continúa, el siglo XXI sucede al XX y creemos que el arte se encuentra en una situación de esterilidad absoluta. Se está ahora en una situación poco menos que dictatorial en la que los poderes públicos mantienen este status quo de destrucción de la forma, de promoción de artistas absolutamente experimentales, de negación de las grandes generaciones de artistas jóvenes que hay que están buscando un retorno a los cánones clásicos, o a lo que ha sido siempre el arte: la figuración. En posturas más o menos revolucionarias, pero es ver que la destrucción del pasado no lleva a ninguna parte.

En este punto, me ha soprendido que muchos de los cuadros que tenéis aquí en el MEAM son revisiones de temas antiguos.

Sorprende mucho cuando hablas con estos artistas –que muchos tienen veinticinco años-, porque parecía que tenían que ser gente mentalmente muy joven y en cambio sus grandes maestros son Rembrandt o Velázquez. Son artistas que valoran lo que era la pintura de verdad y dicen “chico, es que no se ha vuelto a pintar como pintaban estos maestros”. Hay que reconocer lo que vale y crear a partir de ahí un arte nuevo, un lenguaje nuestro. Es decir, no hay que copiar a los grandes maestros, pero lo que no se puede hacer es negarlos. Es una postura absurda.

Al final, Tristan Tzara quería destruir los museos, pero Tristan Tzara está muerto y los museos están más visitados que nunca. Es una irrealidad, es una fantasía del siglo XX que se sigue manteniendo pero en la que el gran público ya no cree. El arte contemporáneo se está encerrando en sí mismo y adoptando una postura de represión. Es decir, tú no puedes ir a ARCO y llevar cualquiera de los cuadros que hay en el MEAM porque no te dejan, está prohibido. El jurado de ARCO no te acepta que tú lleves esta obra ahí. Todo esto es un montaje que se va aguantando pero que poco a poco se va resquebrajando. Si algo hemos descubierto nosotros es que la generación de artistas jóvenes es brutal. Se ha dicho que asistimos al final de un oficio, al final de la pintura… Y como has podido ver en las salas del museo, esto es mentira, hay cantidad de gente que pinta extraordinariamente. Precisamente en el último concurso de arte figurativo que organizamos desde la Fundación, Antonio López –que era miembro del jurado- dijo que “aquí hay unos 30 cuadros que podrían estar expuestos con toda dignidad en cualquier museo del mundo”, y eso no había pasado nunca hasta ahora: que artistas jóvenes pudieran volver a estar a la altura de los grandes clásicos. Son los pioneros en recuperar esa noción del Arte con mayúscula.

¿El arte contemporáneo tiene algún valor entonces?

Bueno, eso depende del valor que le dé cada uno… Para mí no tiene ningún valor. Aunque hemos de matizar eso de “arte contemporáneo”: hoy en día aún se considera a Picasso o Miró arte contemporáneo y han pasado ya más de cien años… Para mí esa ruptura de la forma queda ya como un hecho histórico que no da más de sí. Es decir, para mí un váter puesto en la sala de exposiciones como hizo Duchamp no tiene ningún valor. O más bien tiene valor artístico el hecho rompedor de colocar un váter en la sala de exposiciones, pero una vez acabada la exposición, esa pieza no deja de ser un váter corriente. ¿Por qué ha de seguir costando una millonada si ya no tiene ese sentido artístico? El que le quiera dar valor, se lo da, y el que no, pues no. Es una cosa totalmente subjetiva. Un cuadro tiene valor de por sí, un váter, no.

¿Lo que le da valor al arte es la técnica entonces?

No, lo que le da valor al arte es el efecto subjetivo del que le quiera dar valor. Hay muchas fundaciones de grandes entidades que en los 70 y 80 compraron grandes construcciones como un montón de arena con unas sillas y una pala, o unas cajas… Eran construcciones que valían medio millón de euros o un millón, que estaban en la Bienal de Venecia y estas ferias… Hoy en día estas entidades tienen estas construcciones en un almacén contabilizadas por un millón, o medio millón… Pero lo que hay allí es un montón de arena, unas sillas y una pala. ¿Realmente qué es lo que vale un montón de arena con sillas y pala, si lo quisieran vender? Pues valdrá diez euros, pero en sus libros de contabilidad consta quinientos mil. ¿Vale quinientos mil o vale diez? Para mí es evidentemente y descaradamente un montaje, una gran manipulación del arte que ha servido para que una gran clase financiera y una gran clase poderosa se hiciese millonaria manipulando el arte contemporáneo.

¿Pero es arte o no es arte?

Yo no soy quién para decir si esto es arte o no es arte: yo sé que a mí una obra de ese tipo no me dice nada. Lo que digo es que hay un agravio comparativo entre, por ejemplo, un cuadro de Jackson Pollock –que vale fortunas- y alguno de los que tenemos por aquí en el museo, que valen poquísimo y que para mí tienen una carga artística brutal. Se está pagando un nombre, no una obra de arte. Se está pagando una firma. Un cuadro de Jackson Pollock si en vez de hacerlo él lo hiciese Jacobo Alcalde valdría 3000 euros, y el cuadro sería el mismo. Un cuadro de Jacobo Alcalde vale 5000 euros y para mí es extraordinariamente mejor que cualquiera de Pollock. Aún así, yo no soy quien para decir si lo de Pollock es arte o no es arte, pero lo que sí que puedo decir es que no vale lo que cuesta. Pero esto son juicios apriorísticos, en el momento en el que yo quisiese imponer mi criterio cometería el mismo error que han cometido ellos: imponer una dictadura formal en el arte y decir qué vale y qué no vale. Es terrible pero es lo que han hecho: un Henry Moore vale cien mil veces más que un Despiau o un Bourdelle, y estos eran escultores extraordinarios del siglo XX. ¿Quién decide esto? Evidentemente, no es el gran público, porque al gran público le sigue gustando más un Despiau, un Bourdelle o un Rodin que no un Henry Moore.

Obra de Jacobo Alcalde Gibert expuesta de forma permanente en el MEAM.
Obra de Jacobo Alcalde Gibert expuesta de forma permanente en el MEAM.

Ahora que habla de Rodin, visitando el museo he visto la escultura “Bye Bye Rodin” y no acabo de entender su título…

El autor es un escultor cubano afincado en Andalucía, Ricardo Torrebadella (Napoles Marty) de 27 años -un gran escultor- y ha desarrollado su obra influido por Rodin. Tiene quince o veinte piezas extraordinarias influenciadas por Rodin, y ha llegado a un punto en que él se da cuenta de que no puede seguir por este camino y esta es la última obra que hace. De ahí el título: “Bye Bye Rodin”, porque quiere iniciar un camino nuevo, pero él no sabe cuál será. Lo que sí que sabe es que no puede seguir imitando a Rodin, tiene que hacer su propia andadura.

Bye Bye Rodin en el MEAM. Fotografía de Pedro HolderBaum
Bye Bye Rodin en el MEAM. Fotografía de Pedro HolderBaum

Esta es en realidad la filosofía del MEAM, ¿cierto?

Exactamente. Es todo un ejemplo de cómo un chaval de 27 años que es muy bueno –que no se cotiza, por supuesto, pero que para mí es extraordinario- está empezando a hacer su propio camino. Lo que es brutal es que al mundo del arte oficial esto no le interese para nada. En este sentido, la reacción del público es muy significativa. Cuando la gente sale del MEAM se queda asombrada. La gran pregunta siempre es “¿Y de dónde sale todo esto? ¿Y por qué no lo hemos visto en otras partes?” Y eso es un hecho real, ¿por qué a la gente esto le encanta, por qué no lo hemos visto en otras partes y por qué esto no puede estar en otras partes? Si son artistas de Madrid, de Sevilla… ¿Por qué no pueden estar en museos de Madrid o en Sevilla?

¿Este es el único museo de este tipo en España?

En España y te diría que también en Europa. Porque todo lo que es arte contemporáneo se identifica con lo que es experimentación, como en el MACBA -el Museu d’Art Contemporani de Barcelona-. El MACBA para mí es una gran caja vacía. El hall de ese museo es el doble de grande que todo el MEAM y no hay ni una sola obra de arte… Es decir, con la mitad de su hall nosotros hacíamos un museo y ellos hacen una caja de aire. Ellos tienen un presupuesto de un millón de euros al mes para poder sobrevivir, nosotros tenemos entre treinta mil, cuarenta mil euros al mes y nuestra actividad es mayor que la del MACBA. Las comparaciones son terribles, porque además nosotros no tenemos ningún apoyo, ninguna ayuda ni ninguna subvención. Para mí, es la dictadura de la forma.

¿Y le queda futuro a esta dictadura de la forma?

Hombre, yo espero que no. Si creyese lo contrario, sería mi desesperación. La prueba es que no hay público: si tú vas a la Fundación Tàpies, por las mañanas verás a dos o tres colegios que van, y si vas a horas que no haya colegios, estarás solo en ese lugar. El público no va. Ahora, el día que haya que hacer una gran ceremonia, habrá allí un cuadro de Tàpies; el día que el gobierno catalán se reúna, estará presidido por un cuadro de Tàpies; el día que se nombre hijo ilustre a un gran artista del país, estará el señor Tàpies… pero el día que haya que hablar de lo que a la gente, al público, le gusta, no estará Tàpies.

En este sentido, podemos hablar de una desconexión entre el arte oficial y la percepción del público…

Totalmente. Desde mi punto de vista, hay una gran desconexión entre los intereses creados por los poderes políticos y los poderes financieros y la realidad del gusto de la gente. Pero esto no solo pasa en artes plásticas, en música ha pasado también.

Entonces, la pregunta que surge es ¿por qué? ¿por qué se sigue manteniendo esto en contra del gusto del público?

Bueno, habrá que ver el valor de la obra que hay, el valor del montaje que se ha hecho cuánto vale, habrá que ver las grandes fortunas que se han hecho con estas obras… Supongo que hay que conservar un status quo, y no solo a nivel español, sino mundial. EEUU es el gran centro del mundo de estas obras. También, por contra, EEUU es el gran centro de la renovación a nivel artístico, de la vuelta a la figuración.

Es lo que sería Don Eddy, ¿no? La exposición temporal que tienen ahora mismo en el MEAM.

Exacto. Don Eddy es uno, pero también está Lisa Harper o cantidad de artistas americanos que están teniendo un éxito brutal. Don Eddy pertenece a la generación de los hiperrealistas americanos, la de los años 70 u 80 que hoy en día son un clásico. Fueron como una reacción a la situación de caos del arte y fue una cosa divertida, bonita, simpática… Fue querer convertir la fotografía en arte, y es que en ese momento la fotografía no se consideraba como tal. Fueron unos de los que lograron eso, y lo hicieron no a través de la fotografía en sí, sino utilizándola para crear la obra de arte. De esa generación quedaron unos cánones que han servido para el arte de finales del siglo XX, para el hiperrealismo con pintura y utilizando métodos que entonces eran nuevos, como los aerógrafos.

Pero cuando vemos un cuadro hiperrealista que es indistinguible de una foto, ¿qué sentido tiene? ¿No sería lo mismo ampliar la fotografía e imprimirla?

De hecho, a mí el término “hiperrealista” no me gusta: mi museo no es de “arte realista”, mi museo es de “arte figurativo”. Dentro de la figuración, sí que es cierto que hay una parte que es -un poco como reacción a la abstracción- que consiste en una exageración de la figuración hasta términos fotográficos. Yo creo que es una reacción humana, natural, es como decir “¿Nos han obligado a destruir la forma? Pues vamos a demostrar que se puede pintar la figura mejor de lo que se ha pintado nunca”. La fotografía, en este sentido, es un medio para llegar a este extremo. Obviamente, si el cuadro pintado es igual que la foto, ¿para qué quieres el cuadro?, pero estos artistas buscan superar la fotografía, no imitarla. Se busca que el resultado sea menos frío que una foto, que sea más expresivo, más brillante…

Paseando por el MEAM, he visto algunos cuadros que me han llamado la atención. Por ejemplo, en este sentido que apuntas, hay uno que se llama “La crisis” bastante interesante…

Este cuadro es de Mikel Olazábal, un pintor muy subyugado justamente por toda la mística española de la conquista y todo eso. Pero fíjate que ese cuadro -que representa a unos conquistadores españoles del siglo XVI- se llama “La crisis”. ¿Qué quiere decir con eso? Él te está explicando que “crisis” era aquello, no lo que tenemos ahora. Ahora nos quejamos de que hay crisis y tienes un coche, y gasolina, y comiendo pollo a l’ast, y yendo al cine o a bailar con tu novia. No, la crisis era estar con una armadura en medio de la selva sin nada que comer, sin nada de qué vivir, avanzando durante siete años… Aquello era crisis. Entonces la propia pintura te está planteando un problema filosófico, que es que te estás quejando, porque somos unos mierda en comparación con aquellos hombres. Aquellos hombres, aunque su crisis era mayor, tenían unos ideales: estaban conquistando el mundo. La pintura, con el propio título te lleva a toda esta serie de divagaciones.

Obras de Mikel Olazábal en el MEAM.
Obras de Mikel Olazábal en el MEAM.

Ahora que hablas de ideales, sí que me he dado cuenta mientras pasaba por las salas de que no hay nada de arte sacro…

Sí, aunque aquí hay una cierta influencia de mi ideología personal, ya que al fin y al cabo soy quién ha hecho el museo. A mí el tema sacro, el tema religioso, simplemente no me interesa, lo considero superado. Otro te podrá decir lo contrario, pero yo creo que el mundo moderno ha superado el concepto religioso. Aunque yo creo que el arte en sí ya es un tema sacro. Al hombre contemporáneo yo creo que se la ha quedado pequeña la religión, pero el que tiene sensibilidad, el que tiene un concepto de la ética, sustituye la religión por el arte. Ya dijo Wagner que el arte puede ser la religión de los nuevos tiempos. El arte del MEAM puede llegar a ser sacro, aunque no sea religioso, ni católico, porque hay artistas aquí que están dando la vida por unos ideales, y esto me parece igual de sacro que el que da su vida por unos dogmas. El concepto de ética creo que está muy presente en nuestro museo y en el comportamiento de nuestros artistas, porque a ellos les sería más fácil hacer otro tipo de arte, el arte oficial, en el que serían maestros.

Su trabajo va en este sentido…

Sí, mira, hacemos un concurso de arte figurativo que ya va por su 7a edición en el que más del 60% de los participantes no son españoles. Esto significa que estamos creando una gran corriente internacional. Es un proyecto muy potente: tenemos una fundación, hemos abierto un museo, hay un concurso internacional, el año pasado abrimos una academia: la Barcelona Academy of Arts, que es la primera vez en España que una academia enseña pintura y dibujo con los cánones del siglo XVIII, con los modelos y las formas de trabajar de esa época, y que está vinculada a las otras cuatro únicas academias de este tipo que hay en todo el mundo: Florencia, Nueva York, Toronto y Los Ángeles. Tenemos otros proyectos en marcha de abrirnos a exposiciones itinerantes en museos europeos.

Inauguración de la Barcelona Academy of Art
Inauguración de la Barcelona Academy of Art

Sin embargo, toda esta corriente de arte formalista del que se quejaba surgió en su inicio como reacción al arte de las academias. ¿Abrir una academia es como una contrarreacción a la reacción?

A ver, yo personalmente soy muy antiacadémico, considero que el arte no ha de ser académico, pero eso no quiere decir que no haya que saber la técnica. Es decir, antiguamente un escultor tenía su taller con aprendices que trabajaban allí y aprendían el oficio. Eso era la academia: aprender el oficio. Cuando ya lo dominaban, se independizaban y montaban su propio taller. Ser enemigo de la Academia en tanto que enemigo de la rigidez, del formalismo, no significa que no hayas de aprender el oficio. El gran error del siglo XX es que ha querido destruir la técnica y el oficio. Lo que es un error es pretender pintar sin saber pintar: eso es una petulancia y una arrogancia increíbles. Aunque el concepto de academia no me interesa, es necesario. Sin eso, no hay arte.

Por tanto, como conclusión, ¿qué diría?

Que hay falsos revolucionarios que niegan la academia, pero lo que están demostrando es que son unos ignorantes: los verdaderos revolucionarios han respetado el pasado. Han respetado a los grandes hombres del pasado, han respetado la estética y la ética. Y sobre esa base, han sabido volar. Han sabido construir, no destruir; construir desde una base. Si no tienes base, eres una barca en el océano que no sabe adónde va.

Entrevista para el Diario El Prisma – http://diarioelprisma.es/jose-manuel-infiesta-el-gran-error-del-arte-contemporaneo-es-que-ha-querido-destruir-la-tecnica-y-el-oficio/

Anuncios

112 Comentarios Agrega el tuyo

  1. Maria r_Rosa Kadzys dice:

    Ten go la sensaciòn que màs que concepto filosofico de arte se est`´a discutiendo quien maneja el arte es una cuestion de intereses.El nuevo arte contemporaneo quje se expone puede tener valor,pero no exorbitantes sumas la discucion sobre arte la debemos seguir haciendo para producir nuev os conceptos que ayuden a desarrollar el arte

    Le gusta a 1 persona

  2. Jorge Alberto Hernández dice:

    Totalmente de acuerdo, cómo puedo recibir invitación para el próximo certamen? Saludos.

    Le gusta a 1 persona

  3. El arte no tiene que ser obligatoriamente asimilable por ningún espectador. El arte no tiene que ir necesariamente dirigido hacia ningún lado, ni al hombre de la calle ni al erudito. Es puro subconsciente por lo tanto incontrolable. El arte desconoce donde esta el pueblo, o los académicos. Incluso desconoce donde coño esta el artista que lo ha creado. Tiene que ser libre y no mirar a ningún lado , no tiene que buscar representaciones comprensibles o dejar de hacerlo, buscar modelos simples de comprender o dejar de hacerlo. Tiene que ser poesía pues ella es la mas pura expresión del inconsciente y no mentir ni buscar el agrado de las masas ni de los críticos galeristas museólogos,,, etc .
    El intelectual normalmente no tiene idea de lo que tiene delante de las narices, sabe (y ya es mucho) si le gusta o no, pues este “entendido” va a toro pasao.
    El arte no es democrático, la conexión con la gente no es un hecho infalible para que sea bueno.
    El fallo nunca compete al estilo.
    Todo arte sea el género que sea tiene en su interior la misma cantidad de abstracción, y viceversa .
    Una obra con un inmenso trabajo y perseverancia, con constancia con creación personal en la intimidad del taller, elaborada, meditada y largamente perseguida, puede ser un bodrio.Nada asegura que de ahí salga una obra de arte. Y es un terrible error anteponer el trabajo , técnica, minuciosidad , comprensión, tradición , oficio, como un valor para medir el arte .
    Golucho

    Le gusta a 5 personas

    1. Facundo Albertengo dice:

      Desde el punto de vista, de que una obra jamás estará terminada hasta ser vista por un espectador… lo que acabas de escribir, no tiene el mas mínimo sentido… y si estudias historia del arte… mucha, desde los egipcios hasta el siglo XIX, entenderás que siempre, las pinturas al menos, estuvieron dirigidas a un publico, y con mensajes, por lo general sociales, bastante claros…
      Una creación determinada, no puede ser jamas considerada arte, hasta no ser juzgada (bien o mal) por otra persona ajena a su creador. Los seres humanos somos interpretes de signos, sin ello no podríamos razonar, ni realizar nada, y una obra, es un signo, que para tener sentido de existencia, debe ser interpretado como tal.

      Me gusta

      1. Manuel dice:

        una cosa no quita la otra, claro que son signos, y el arte al ser algo que puede ser apreciado e interpretado llega a los receptores que es el publico, pero eso puede ser muy ambiguo, puedes crear y crear mensajes sin tener involucrada alguna actividad creadora de arte en ellos, porque si lo pones desde ese punto cualquier cosa que pueda percibirse es arte,y los comunicologos encajarian a la perfección en la definicion de artista, pero no es así, el artista crea y trabaja con él mismo, y puede tener un enfoque social para su obra o no, pero al final de cuentas es imprescindible que se involucre el artista sin estar en sus metas la intención de agradar al publico, al mismo tiempo saber a donde ira dirigida la obra para lograrlo si a caso pero no que esto este en sus metas, porque entonces solo se convertirá en una pretensión

        Me gusta

    2. Angel C. dice:

      Me alegra. Ya basta de artistas pretenciosos.

      Le gusta a 1 persona

    3. si me gusta tu punto de vista personal

      Me gusta

    4. eduardo Marcial Gutierrz dice:

      Definitivamente el verdadero bodrio aquí, es este comentario. Como muchas veces ocurre… los grillos saltan cuando es puesta tela de juicio esa basura que hoy en día muchos llaman arte. Pedazos de basura que la gran mayoria de las veces solo se diferencia del resto de la basura en que a esta acude un subdesarrollado a ponerle un palillo con una etiqueta que dice “arte”… y otra subdesarrollados corren temerosos de verse fuera del circulo a gritar: “arte”

      Le gusta a 1 persona

    5. PS dice:

      El arte no es subsconciente, es voluntad y libertad. En el momento en que decides que sea subsconciente deja de ser arte y pierde valor. Subsconsciente es respirar, y no es arte. El arte debe ir dirigido a algun lado porque eso es precisamente lo que es el arte, sino busca otro nombre, llamalo experiencia, claro que si no necesariamente va a ningun lado, entonces no hay nada que experimentar. La conclusion necesaria de tu concepto de arte es que el arte no existe que nada tiene valor porque todo puede tenerlo. Las piedras no van dirigidas a nada, son arte por si mismas? Para tener valor, algo tiene que concederselo, en este caso la interpretacion de ese arte. Claro que el estilo o la tecnica en si no bastan, simplemente son una garantia de calidad, una prueba de que el artista sabe lo que estaciendo y que lo hace libremente, que hace arte. Lo subsconciente lo puede poner cualquiera y tiene el mismo valor en todos los casos: ninguno.

      Me gusta

    6. juan camacho dice:

      Lo mismo se puede decir de un cuadro donde se a salpicado pintura de distintos colores en un tiempo mínimo sin casi planificación, pero le aseguro que los grandes entendidos con sus hermosas palabras rebuscadas le van a dar mas valor a este tipo de arte, solo son puras excusas para desmerecer a los artistas que se preocupan en demostrar que el Arte debe ser el lenguaje que trasmita al espectador algo sublime que lo llene, que cada vez que vea el mismo cuadro siga sintiendo lo mismo y eso se logra con constancia y no arrojando pintura a un bastidor que hasta un niño puede hacer esa tarea. Mis respetos para aquellos artistas que siguen a los clásicos de la Pintura o alguien puede atreverse a desmerecer un cuadro de Vermeer o de Rembrandt.

      Me gusta

  4. Felicidades a Anatolio Amado, por su excelente comentario. ¿Donde podría contactarlo? En pocas palabras pone las cosas en su sitio. Genial, Necesario e indispensable una persona así en ámbito de la cultura

    Me gusta

  5. Lady Cubillos dice:

    Totalmente de acuerdo con lo dicho el articulo, la percepción del arte contemporaneo actual ha abandonado el verdadero sentido del arte, me encanta el arte figurativo, mi mamá es una escultora de arte costumbrista y somos testigos de lo dificil que le ha tocado a artistas con talento quienes han sido superados por un váter, que al fin de cuenta sigue siendo más que un váter frente a obras que tiene una mayor valor en todos los sentidos, desde mi punto de vista la comercialización y la pereza de crear algon verdaderamente significativo, han llevado a que se de valor a cosas que carecen de talento y de un verdadero sentido. Al parecer la herencia de los grandes maestros ha sido abandonada brutalmente.

    Me gusta

  6. paisasin dice:

    Que bien por la iniciativa del MEAM, ya que yo soy también de aquellos que defendemos el arte figurativo, ya que encontarmos gran valor en la técnica, y el desafío de pintar algún tema realista, como lo decia Leonardoa Da Vinci, para deshacer, primero hay que saberlo hacer, en nuestros tiempos los nuevos mal llamados artistas empiezan directamento por lo abstracto, pintando sin saber pintar, eso es un gran error, reconozco que hay grandes trabajos abstractos, pero en ellos se ve un claro proceso y manejo de téncicas y conocimientos.

    Me gusta

  7. Mireia dice:

    Esta entrevista solo muestra incultura. El arte figurativo, el abstracto y el conceptual són simplemente diferentes, todos igualmente válidos però con distintos enfoques de la belleza. Por mi parte boicot al MEAM sinceramente, me parece un razonamiento muy equivocado.

    Le gusta a 1 persona

    1. BELLA “HERMANA MIREIA,

      TIENE RAZON ENLO QUE DICE …
      MAS NO, TIENES QUE HACER “BOICOT…
      PUES VAS CONTRA LA LIBERTA DEL ARTE…

      ( LA MEJOR OBRA DE “ARTE UNICA,
      QUE TU MISMA ERES …
      EN SU “VISION, DE LA “VERDAD QUE ERES … )

      ( Siempre se, Bondadosa y
      estaras en “Paz contIgo mismo …

      Ver Link,
      http://www.victortapias.org/About_FIN_2.html

      Os animo con Bendicion,
      con Gratitud .. )

      .

      Me gusta

    2. HAISUL dice:

      Estoy de acuerdo contigo, Mireia. Que barbaridad de comentario

      No es la destrucción, son enfoques diferentes.

      Expreso las emociones a través de los trazos y las niega porque no hay forma?
      Y porque las obras mías emocionan al publico al exponer?
      Porque el enfoque de las obras es canalizar mis emociones a los trazos

      Son más sinceros, convincentes, y sin fingir.

      Me siento triste, y voy a defender a mis obras
      No todo que ha existido tienen que ser verdadero arte y correcto (arte figurativo).

      Me suena como la ley mordaza que hace los conservadores, suprimiendo la libertad de expresar y protestar, protegiendo que los beneficios que ha adquirido durante décadas.

      No rechazo hacer arte figurativo de hecho me gusta hacerlo, pero no me ofendas mis obras diciendo que para ti no tiene ninguna valor las que no tiene forma.

      haisul.com

      Me gusta

  8. Carlos de Castellarnau dice:

    “La realidad del gusto de la gente”,
    “La destrucción de los valores tradicionales”
    “Artistas que valoran lo que era la pintura de verdad”

    Filosofía pura

    Me gusta

  9. Líneaypunto dice:

    Falange artística.

    Me gusta

  10. Carlos Feldkamp dice:

    Estamos hablando de arte o de artesanos?
    Existen artesanos extraordinarios, pero sus obras, no son arte , son objetos casi perfectos en sus formas, cumplen con mis expectativas estéticas, ejecutadas con gran maestría pero no despiertan ningún pensamiento ni emoción. Simplemente me maravilla lo bien que están hechos. Casi tan perfectos como los hacen las máquinas de hoy en día.

    Me gusta

    1. M dice:

      No estoy deacuerdo. El concepto del que parte el entrevistado es del de artesano del que derivó posteriormente el artista renacentista, cuando se alaba a la persona que hace una obra artistica, no solo por lo que transmite, sinó por su conocimiento de la tecnica y su superación, su (im)perfección, su depositación de su ser en un objeto o en una pintura, poesia, música.
      Por eso, seguimos alabando a los clasicos, por su fusión de estos 2 conceptos, arte partiendo de la artesania porque es de allí de dónde viene.
      Posteriormente ya creo que el arte mismo se ha ido replegando en si mismo hasta un punto que ya no comprendo mucho, el arte contemporaneo en buena parte.

      Me gusta

    2. Silvestre Montiel dice:

      No entiendo la diferencia entre artista y artesano. Me podrías explicar.

      Me gusta

  11. Cheter Crow dice:

    Creo que lo de las obras de arena y sillas, la intención esta mas en la del artista de hacer corrupto el sistema desvalorizador y degenerador desubjetivante mercantilista, jajaja, nada que ver al contrario.

    Me gusta

  12. “El gran error del arte contemporáneo es que ha querido destruir la técnica y el oficio”

    Le gusta a 1 persona

  13. Me parece que el arte de la pintura hace mal en medirse con la fotografía, esta no siempre nos ayuda a observar, más bien nos inclina a delegar el trabajo de nuestros ojos en un cachivache.En pocas palabras soy más de una figuración a lo Ramón Gaya que de un hiperrealismo estilo Antonio López. En cualquier caso la aparición de un museo como el MEAM me parece muy positivo para superar ese arte conceptual “anti-oficio” al que alude el autor del blog

    Me gusta

  14. Placido dice:

    Abogas en tu artículo por la “salvación” y restitución del arte y pones como ejemplo las obras q tenéis en el mean, y yo te digo q también vosotros lo estáis destruyendo. Queréis obras q copien hasta el paroxismo una fotografia y os vemos mirando los cuadros a un palmo de distancia (¿qué buscáis?) con gesto de asombro y la boca abierta como niños. ¿Es arte representar con estricta minuciosidad y extrema fidelidad una fotografía? Para mi es frío. ¿No tenemos ya esa fotografía? Hay algo de pretensión y vanidad en tratar de ir a ese extremo de fidelidad. Pero para mi no es arte. Es otra cosa. Impresiona es cierto, y te deja con la boca abierta¿. Pero cuando te colocas frente a unos de esos cuadros que tenéis en vuestra sala no corre más deprisa la sangre por las venas.

    Me gusta

    1. FAC dice:

      Más y más contradicciones, se habla de la frialdad del arte figurativo mientas se resalta que maravilla, al fin?

      Me gusta

  15. Patricia dice:

    Hay tanto contra lo que argumentar en este artículo que no sabría por dónde empezar. Lo haré intentando apelar contra las respuestas que da el entrevistado. Como licenciada y máster en Historia del Arte basaré mis argumentos en conocimientos y en experiencia. Intentaré no caer en el subjetivismo, que es de lo que peca en gran parte el artículo.

    Para empezar, me esperaba algo así del MEAM (¿de quién sino?), quienes desde su inauguración como institución cultural, museo, han encajonado el arte en algo que no va más allá de lo figurativo, concepto que tienen idealizado encima de un pedestal. Primer error.

    Primeramente, el arte del siglo XX no ha intentado destruir nada. El día que empecemos a entender que el arte es la EVOLUCIÓN de una sola cosa (como el crecimiento de una persona y su maduración en el tiempo), y no algo divisible y encajonable en estilos, movimientos, etc, empezaremos a hilar fino. El siglo XX/XXI no ha pretendido insultar ni destruir valores tradicionales, ha intentado concebirlos desde otra perspectiva o superarlos, que no eliminarlos. Y aun así, ¿qué hay de malo en no ser figurativo? Sé que no es comparable, y que por lo que se menciona en el artículo no se es amigo de lo sacro, yo tampoco mucho, no obstante, millones de personas de este planeta creen y tienen fe actualmente en un ser no figurativo, en una energía conceptual y sensitiva, en algo inexplicable que nadie ha jamás. Y esa no figuración, esa idea abstracta, mueve el mundo en muchas ocasiones, así que, punto número uno: la figuración está sobrevalorada. ¿Tanto aterra la desmaterialización, enfrentarse a la nada, a la idea, al pensamiento?

    Cuando se comenta -cito textualmente- Son artistas que valoran lo que era la pintura de verdad y dicen “chico, es que no se ha vuelto a pintar como pintaban estos maestros”. – refiriéndose a jóvenes artistas que admiran la obra de Velázquez y Rembrandt, ¿quién dice que otros artistas contemporáneos no están influenciados y que no admiran a estos grandes iconos? ¿Por qué? ¿Por qué no pintan con su técnica y material, además de la figuración? Me parece una catalogación injusta. Me atrevería a decir que hasta Banksy, por mencionar a un conocido de entre otros, en algunas de sus obras ha podido tener presente a artistas de la antigüedad.
    Igualmente, chico, no se ha vuelto a pintar como pintaban los maestros porque es un paso que se intenta dar hacía otra dirección, hacía adelante. No dudo de que existan hoy pintores que puedan igualar o incluso superar a Velázquez o Rembrandt, el MEAM, podría (he dicho podría) ser un ejemplo, pero es que no se trata de eso. Se trata de que pintar, hoy en día, como Velázquez o Rembrandt, no tiene un mayor sentido más allá de una admiración estética, visual, material y técnica. Que no es poca, pero no es suficiente para el siglo XXI.

    La generación de artistas jóvenes de nuestra época es brutal, sí, se dediquen a la materia del arte a la que se dediquen. Hay muchísimos artistas jóvenes callejeros, que exponen en la misma calle su obra a través de vinilos, graffitis, eh, y tengo una buena noticia, ¡son figurativos!, pero ¿supongo que si no es con óleo o acrílico no interesa no? Igualmente, que nadie se alarme, dudo que algún día se asista al final de la pintura como se teme en el artículo. Es que parece ser que si uno no se puede comparar con un Goya, no se es nadie. Comenta el artículo que el jurado de un concurso determinó que “hay unos treinta cuadros en MEAM que podrían estar expuestos en cualquier museo del mundo”. Y en la calle también hay obras que podrían estarlo, y en los talleres de algunos jóvenes artistas que no habrán tenido tanta suerte de ser fichados por una institución, etc. Esto es lo que intentaba explicar el pobre Tzara, la destrucción de esta dura regla museística, a veces absurda, de que si no se está dentro no se es nadie. ¿Son menos arte esos treinta cuadros por no estar en el Metropolitan de NY, o por estar otras obras en las calles?
    ¿Ningún artista actual que realice arte contemporáneo no figurativo no tiene talento entonces? Yo creo que, en parte, es con el arte actual cuando el artista más necesita tener. Necesita sobretodo tener capacidad mental, idea, concepto, discurso, porque luego vendrá el crítico y el comisario de arte y harán su trabajo, pero el único y el primero que te sabrá explicar su obra es el artista. Todo esto sería muy fácil de entender si se dieran por superados los cánones estéticos de la belleza clásica, que deberían verse más que superados en pleno siglo XXI pero aun no es así. No obstante, algunos artistas contemporáneos dan por superados estas estéticas y crean una obra a través de la mente, donde no importa tanto la forma como el contenido. No obstante, soy consciente de que también hay mucha sobrevaloración en el arte contemporáneo, claro que sí, no lo intento ocultar, pero estaría bien poder crear un término medio en la balanza de este asunto, no hay que enfrontar el arte antiguo con el arte contemporáneo, no es una lucha de titanes, es una evolución de la misma cosa.

    Por otra parte, yo no sé qué problemas habrán tenido con ARCO concretamente, pero cuando yo he asistido a la feria, he visto bastante arte figurativo, y algunos eran pintura.

    Cuando se remite contra Duchamp diciendo que colocar un váter en un museo no tiene ningún valor más allá de la provocación, puede que se tenga razón a medias. Se debe contemplar la burla artística, el arte puede ser satírico también, se debe contemplar la crítica social. Duchamp ha superado la estética, la técnica y la materia, quiere ir más allá. Quiere jugar con la sociología del arte. El arte no es sólo un pincel, una tela con bastidor y un montón de pintura compuesta de manera perfecta que forma bellas figuras. El arte tiene un contexto social, histórico, conceptual, crítico, etc, muy potente, que se debe siempre tener en cuenta. Es indesvinculable. La fuente es única en el sentido de que no hay otra con la firma de Duchamp, toda obra es única.
    El dinero va a parte. ¿Quién pone los precios del arte? Y digo yo, ¿no cuesta 90.000 € y más una obra de Goya, por ejemplo? ¿Es realmente el arte contemporáneo el que alimenta esta burbuja económica? ¿Por qué es tan radicalmente diferente un Picasso de un Duchamp? ¿Cómo son técnicas diferente merece que una tiene valor estético y trabajo y la otra no? ¿Se sabe cuánta ideología hay detrás de una obra contemporánea, cuánto concepto, o sólo nos fijamos en el exterior? Quizás ahora muchos os preguntaréis ¿Qué pasa con Damien Hirst y sus escandalosos precios en el mercado? Lo sé, Hirst ha sido un ejemplo casi sin precedentes, es como la excepción que rompe la regla. Hirst ha realizado subastas monográficas en Sotheby’s y lo ha vendido todo en una sola noche. Es conocido por obras como The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living (el tiburón de los 12 millones de dólares) o For Love of God (la calavera recubierta de brillantes) vendida por 74 millones de dólares. Lo que no se sabe muchas veces es que parte de estas obras fueron compradas por el mismo galerista, marchante y agente de Damien Hirst, creando así una falsa especulación que lo único que le conllevó fue un stock de piezas de Hirst en el almacén del White Cube de Londres. Personalmente, Hirst me gusta, sus precios son desorbitados, pero tampoco tiene la culpa de que haya personas que estén dispuestas a pagarlos, precisamente su obra, en parte, tiene este aspecto de crítica social a este tipo de personas que están pagando estos precios. Dejando la moral y la ética a parte, si compras una obra de Hirst es porque puedes permitírtelo -el mismo Hirst ya se denominó siempre a él mismo como businessman y no artista-

    Lo de Pollock debo reconocer que me ha tocado la fibra sensible. ¿Por qué se cree que un cuadro de Pollock cuesta lo que cuesta? ¿Le ofende el precio y lo compara con el bajo precio de una obra del MEAM? Que se le suba el precio a los cuadros el MEAM entonces, que se les ponga el valor que se le considere, pueden hacerlo si quieren, en vez de quejarse. Un cuadro de Pollock vale hoy lo que vale primero por su valor histórico, es decir, es una pieza irreproducible en el tiempo, puesto que el autor está fallecido y porque se realizó en una época con un cierto movimiento social que también hoy es irreproducible, el pasado es pasado. Un Pollock tiene un valor artístico brutal, Pollock llevó a la máxima expresión el dripping, y formó parte del llamado action painting, que no se sepa apreciar por según qué personas, es otro tema, como todo. Cito textualmente -Un cuadro de Jackson Pollock si en vez de hacerlo él lo hiciese Jacobo Alcalde valdría 3000 euros, y el cuadro sería el mismo. Un cuadro de Jacobo Alcalde vale 5000 euros y para mí es extraordinariamente mejor que cualquiera de Pollock. Aún así, yo no soy quien para decir si lo de Pollock es arte o no es arte, pero lo que sí que puedo decir es que no vale lo que cuesta – ¿Realmente se cree esta dura afirmación? El cuadro no sería el mismo por un millón de razones. Primera por que el autor es distinto, el contexto social e histórico también, e incluso dudo que le saliera de la misma manera. Seguramente se debe pensar que “hacer un Pollock” es ponerse como un loco a sacudir un pincel delante de una tela y a pasear por con un cubo agujereado por encima dejando caer gotitas de pintura. Bien, volvemos a lo mismo de siempre, en cuanto a técnica y material un Pollock es reproducible hoy en día, pero ni de lejos tendrá el mismo valor, en cuanto a autoría y sociología es imposible. Además, Pollock tiene obra figurativa antes de que llegara a convertirse en un gran icono, por si a alguien le interesa. Y por eso, se paga lo que se paga, y por poder también, no por materiales o estética. Ampliemos la mente, extendamos el arte un poco más allá de los colores y las formas.
    Intentemos no meter a todo el público dentro de un mismo saco con afirmaciones como, cito textualmente- al gran público le sigue gustando más un Despiau, un Bourdelle o un Rodin que no un Henry Moore. ¿Cómo se sabe esto? ¿Se han hecho estudios de gustos predeterminados al público o algo? ¿Dónde están las fuentes que apoyan estas afirmaciones? No caigamos en subjetivismos, por favor, desde la posición que se ocupa en una institución cultural, al menos, debería tenerse una mentalidad neutral y crítica, no prejuiciosa.

    No soy fan de MACBA por motivos personales, pero que no contenga ninguna obra en el hall es falso, y que sólo se dedique a la experimentación también. En el hall, actualmente, está expuesta una obra de Lawrence Weiner, (Some objects of desire, 2004), y normalmente suelen mostrar alguna relacionada con la exposición en curso que realicen. ¿Qué se entiende por experimentación en el artículo? ¿Cómo se considerarían obras como happenings, performances, etc? ¿Arte efímero o pantomima? La experimentación, como la que se hacía en la escuela Bauhaus o en la Black Mountain College de Chicago abrió el mundo del arte a un espectáculo creador maravilloso y muy inspirador, no creo para nada que deba desvalorarse.

    ¿Así que la fundación Tàpies no la visita nadie no? Me gustaría saber cuánta gente hay en el MEAM un día normal a las doce del mediodía. Repito, ante estas afirmaciones, estudios de público por favor, puede que nos sorprendamos. Y si el día que hay una ceremonia o un acto de la Generalitat detrás hay un Miró o un Tàpies es por lo mismo, no se trata de lo estética o figurativa que sea la obra, sino del valor simbólico-histórico que representan estos autores, en concreto, para Catalunya. El arte se puede usar también como valor representativo de cualquier cuestión, si es que el arte tiene miles de valores, aunque se los quiera acotar. Por eso está un Tàpies detrás de estos actos y no un cuadro del MEAM, por valor representativo, quizás se deba dejar pasar un tiempo para que pueda haber uno del MEAM en este tipo de actos, la historia avanza lentamente.

    Si hablamos de hiperrealismo, o de arte figurativo, cito textualmente- si el cuadro pintado es igual que la foto, ¿para qué quieres el cuadro?, estos artistas buscan superar la fotografía, no imitarla. Se busca que el resultado sea menos frío que una foto, que sea más expresivo, más brillante…- Menos frío, más brillante, expresión, saturación, color…ahora parece que estemos hablando de las herramientas de Photoshop para definir el arte que defiende el artículo. Supongo que estas opiniones también dependen mucho de cómo el sujeto utilice el arte en sí, es decir, si sólo buscamos belleza visual y contemplativa o si lo que nos gusta de la obra es la idea que hay detrás de ella, el discurso, la historia que nos hace pensar. A mí, el arte me produce un placer visual enorme pero es más el placer intelectual que puedo obtener a través de él lo que realmente me satisface. Es como el aspecto físico de una persona y su interior, su pensamiento.

    Prosigo citando textualmente- A mí el tema sacro, el tema religioso, simplemente no me interesa, lo considero superado. Otro te podrá decir lo contrario, pero yo creo que el mundo moderno ha superado el concepto religioso.- Vaya, vaya con el mundo moderno, ¿hemos sido capaces de superar el mundo sacro pero el figurativo no? Yo no afirmaría por otra parte que el mundo sacro esté superado, y por supuesto el figurativo tampoco. Por desgracia en ambos casos.

    Yo no estoy específicamente en contra del arte que se expone en MEAM, sino de esta filosofía que defienden de manera, ellos también, dictatorial.

    Pagaría por tomar un café con el entrevistado: Jose Manuel Infiesta, director del MEAM, si me lee considere esto una verdadera ( y arriesgada por mi parte) invitación.

    A la memoria de Tristan Tzara y Jackson Pollock, entre otros.

    Le gusta a 2 personas

    1. Enrique dice:

      Estoy de acuerdo (Con algún matiz. Siempre hay matices) con tu texto, Patricia.
      Seguramente si lo depuraras quedaría mejor, porque los argumentos son de mucho peso. Pero esto no es una tesis, lo sé.
      Confío que te tomes un café con José Manuel Infiesta y que sea capaz de escucharte.
      A mi, personalmente, no me haría ninguna ilusión tenerlo de interlocutor.

      Dicho esto, he de reconocer que soy un amante del arte figurativo. Pero no exclusivamente, claro.

      Me gusta

  16. Mario Marotta dice:

    _- AL FIN, “LAS COSAS” EN SU LUGAR !! -__ CLARIDAD ABSOLUTA_- ESTUPENDO ARTÍCULO -. !! FELICITACIONES!!, AL SR. JOSÉ MANUEL INFIESTA . – A título personal, – la aparición de “El Relativismo”, ( auspiciado y potenciado los medios de Poder ), entre incontables atrocidades y perversiones, han hecho lleguemos a éstos tiempos de Oscuridad, – y -, desde que vino, se quedó…. y,…- hoy es lo mismo un, Vermeer, o un Rembrandt, o un Veláquez, … que un “pollock”… o … “una zanahoria pudriéndose en una licuadora”,…- tristemente nada escapa a nada! -,…- excepto,… el “MEAM”._ reitero, MIS FELICITACIONES!. _ desde Montevideo-Uruguay, les Saluda, Mario Marotta

    Me gusta

  17. El famoso vater de Duchamp que destruyo el arte…pero todo es ciclico, estamos volviendo al arte de la sensibilidad, de la belleza, de la elevaciòn, el talento de los pintores figurativos a través de la historia es innegable y a eso volveremos 🙂

    Me gusta

  18. edu b dice:

    El arte como reflejo del periodo social, cultural, etc. Documento historico. ¿Que sentido veis pintando como un artista de otro periodo;siglo?. No representas tu momento, tu sociedad, tu cultura. Totalmente de acuerdo con que la destruccion de la forma llega a su fin, nos ponen video, instalacion y proyeccion delante y se confirma. Todo es ciclico y hay que retomar los clasicos, pero en mi opinion, la tecnica purista el un movimiento te convierte en buen copista. El arte esconde mucho mas empezando por ¿quien es el artista, de donde viene, quien fue su familia? Estas preguntas deberian estar en tu mente antes de observar la obra.El movimiento hiperrealista-fotorealista y expresionista abstracto en este periodo no tienen mas sentido que la pelicula scary movie (un refrito de cliches de otras peliculas) una pelicula compuesta de secuencias de otras peliculas, en definitiva el mejor ejemplo de la decadencia. Prefiero ver “el padrino ” que “scary movie”.( para los q no entiendan la metafora del cine con la pintura; no lo voy a explicar). El problema que existe hoy en el arte, lo existe en la musica y cualquier otro ambito. El problema es la falta de criterio y educacion del espectador en el tema de valorar una obra y la manipulacion impuesta por medios de comunicacion e intereses comerciales y politicos.Tenemos artistas que antes fueron economistas y publicistas antes que estar en el mercado del arte y lo mejor ellos no ejecutan sus obras y lo malo que Andy ya lo hacia en los 70. Otro grave problema es que la historia se repite y hay que recordar el caso de Van gogh para que no pase desapercibido el Vincent del siglo XXI. Otro problema esta en la necesidad de reconocer la obra genial de la obra comun por muy buena que esta sea; el genio aventajado sera incomprendido en su periodo, practicamente siempre quitando excepciones, recordemos cuantos tenian posiciones precarias al estudiar sus biografias. Mi pregunta es: ¿Como sabes que realmente te gusta “esta obra” ?

    Me gusta

  19. edu b dice:

    El arte como reflejo del periodo social, cultural, etc. Documento historico. ¿Que sentido veis pintando como un artista de otro periodo;siglo?. No representas tu momento, tu sociedad, tu cultura. Totalmente de acuerdo con que la destruccion de la forma llega a su fin, nos ponen video, instalacion y proyeccion delante y se confirma. Todo es ciclico y hay que retomar los clasicos, pero en mi opinion, la tecnica purista en un movimiento te convierte en buen copista. El arte esconde mucho mas empezando por ¿quien es el artista, de donde viene, quien fue su familia? Estas preguntas deberian estar en tu mente antes de observar la obra.El movimiento hiperrealista-fotorealista y expresionista abstracto en este periodo no tienen mas sentido que la pelicula scary movie (un refrito de cliches de otras peliculas) una pelicula compuesta de secuencias de otras peliculas, en definitiva el mejor ejemplo de la decadencia. Prefiero ver “el padrino ” que “scary movie”.( para los q no entiendan la metafora del cine con la pintura; no lo voy a explicar). El problema que existe hoy en el arte, lo existe en la musica y cualquier otro ambito. El problema es la falta de criterio y educacion del espectador en el tema de valorar una obra y la manipulacion impuesta por medios de comunicacion e intereses comerciales y politicos.Puede ser que este prediseñado alterando tus sentidos, como el azucar  añadido en tu hamburguesa para que segregues endorfinas.Tenemos artistas que antes fueron economistas y publicistas antes que estar en el mercado del arte y lo mejor ellos no ejecutan sus obras y lo malo que Andy ya lo hacia en los 70. Otro grave problema es que la historia se repite y hay que recordar el caso de Van gogh para que no pase desapercibido el Vincent del siglo XXI. Otro problema esta en la necesidad de reconocer la obra genial de la obra comun por muy buena que esta sea; el genio aventajado sera incomprendido en su periodo, practicamente siempre quitando excepciones, recordemos cuantos tenian posiciones precarias al estudiar sus biografias. Mi pregunta es: ¿Como sabes que realmente te gusta “esta obra” ?  Por que puede estar diseñada para gustar y cuando indagas en el interior es basura. Me recuerda a la frase: la belleza esta en el interior. Cuando estas delante de un lienzo recibes cierta cantidad de energia, por acordes de color, textura, forma etc… a mi personalmente me gusta que una obra me golpee con fuerza aunq la obra sea puramente conceptual. Estoy un poco cansado de ese tonito que se adjudican “artistas” por el hecho de usar un pincel y poner color, tmb hay elefantes que pintan y niños que venden por 4000 dolares la obra, pero los elefantes no tienen padres galeristas con amigos imbeciles.Ahora mi pregunta es: ¿Quien escribe la historia? No se quien dijo esto: La masa es idiota,el individuo inteligente. Y seamos honestos ¿A q sistema de govierno le interesa personas inteligentes dificiles de manipular por la clase dominante? Por que hay q leer la definicion de governar y dominante. Si la cronologia de la historia del arte nos muestra periodos historicos  y en el momento donde se rompe la pintura representativa para revelar el mundo interior (individuo) para volver a caer en las brasas de arte como producto industrial de exportacion internacional para coleccionistas, donde el artista vende obra con el mensaje contrario a la realidad de lo que representa y encima tiene los santos cojones de decir: esto no me gusta  mientras en un bolsillo mete dinero que viene de lo que critica. ¿Podemos decir que valorar a un hipocrita es de idiotas? Que esos mismos idiotas que especulan en la burbuja del arte con obras de artistas hipocritas son quien decide lo que pasa a los libros? No podemos porque Van gohg esta en los libros aunq Banksy tmb. Antes de pasar por ahi, prefiero ser un Van Gogh y no me refiero a lo de su oreja,aunq quizas lo mas racional, lucido y sensato seria volverse loco frente a este momento historico.

    Me gusta

  20. Celso dice:

    lamento la coincidencia,pero, solo lei de pintura, creo q esto es para algunos

    Me gusta

  21. Arturo dice:

    Este señor (el entrevistado) exhibe una ignorancia supina respecto a las vanguardias del siglo XX. Me gustaría que hablase un rato con Picasso, y ver cómo éste se desternilla de las sandeces que dice. El valor de esta nueva figuración de la que habla es bastante escaso. Según sus planteamientos, videojuegos como el GTA V son obras de arte muy superiores a cualqueir cuadro que haya expuesto en éste, SU museo; pero claro, el GTA V no se puede exponer en un museo… Es completamente contradictorio. Abraza aquello que ciritica y se queda tan tranquilo. Si hay un valor nuevo en el arte de hoy en día, ese es la interactividad, y no el parecido naturalista. ¿Figuración dice? se están creando mundos virtuales cada vez más interactivos y con un nivbel de “realismo” en cada fotograma que deja a estos pintores a la altura del betún. Pero de sueño melancólicos también se vive. Sobretodo este individuo, cuyo nombre no nos es proporcionado. Por no hablar del videoarte, el arte digital, los hologramas, el arte conceptual (muy superior este último, dado que se halla más cerca de la Idea que ningún otro).
    Lo que hay que oir…

    Me gusta

  22. josetandreu dice:

    Para mí el arte es más que una cagada dentro de una lata. Ese pretendido “arte” es una total falta de respeto a la inteligencia. Simplemente es eso: una cagada.

    Me gusta

  23. Miguel dice:

    Lo de bueno es que el arte siempre da que comentar.
    Nunca te bañaras en las mismas aguas de un mismo rio.

    Me gusta

  24. Geles dice:

    Yo soy pintora amateur, recibo clases de pintura, pienso que la técnica es importante para así, poder plasmar con más facilidad lo que tu llevas dentro, mis pinturas son figurativas, pero la base de ellas es el color, me aprovecho de las formas que elijo para mis cuadros, a través del color, parte importantísima de mi pintura, estoy totalmente de acuerdo con todos los puntos del artículo, me ha encantado.

    Me gusta

  25. LAURA dice:

    CONSIDERO QUE LA RIGIDES QUE COMBATE LA HACE CON EL MISMO CRITERIO, DESDE LA RIGIDES, Y EN UN PROCESO NO SI HAY ERRORES Y ACIERTOS, HAY BUSQUEDAS EN FUNCIÓN DE CRITERIOS PROPIOS DE SUS TIEMPOS, ACASO NUESTRO PASADO ES UN ERROR? COMO PERSONA NO? NO, ES UNA PARTE SIMIENTE DE OTRA QUE LA PENSAMOS COMO ACIERTO Y TODOS LA CONSTRUYEN EN REALIDAD, EN ESTA LÓGICA TAN OCCIDENTAL DE RUBRICAR TODO: ACIERTO/ERROR, SIN CÉZANNE CABRIA LA LOGICA DE VAN GOGH Y PICASSO?

    Me gusta

  26. Reblogueó esto en Racconti di Marinay comentado:
    …Desde mi punto de vista, hay una gran desconexión entre los intereses creados por los poderes políticos y los poderes financieros y la realidad del gusto de la gente.

    Me gusta

  27. g_cero dice:

    Para que algo exista se necesita de un observador que traiga ese algo al mundo de lo real. El Arte, cómo ese “algo”, hace tiempo de dejó de ser percibido y por tanto de existir. Con habilidad satánica se encargaron de disolver el arte en el cuenco sin fondo de la civilización contemporánea, de modo que ahora todo humano es potencialmente artista y todo engendro es potencialmente arte con la única condición de que cualquier agente del caos diga que lo es. A eso se le llamó la “democratización del arte” y su consecuencia es la desaparición del observador sensible sustituida por la dictadura del “observador cualificado”, es decir, el agente remunerado que define lo que es arte del mismo modo que lo hace con el resto de conceptos que han acompañado al hombre en su historia. Nos dicen cómo debe ser cada cosa, contradiciendo la Ley Natural, la Tradición y la Memoria. Cualquier mínimo intento de salir del círculo vicioso es encomiable, incluso aunque su conocimiento esté restringido a un grupo mínimo…eso al menos compensa en parte la horrorosa visión de esos abortos infernales colocados en las plazas públicas, de esos edificios hechos con palillos y celofán, de esas exhibiciones de objetos apilados…pero la batalla está perdida…se perdió no hace demasiado tiempo.

    Me gusta

  28. ivan dice:

    Creo que la academia hace infertil al arte y que los academicista luchan por defender un “oficio” porque es en lo que se pasaron la vida, el arte debe ser libre por su rol comunicador, la técnica fue el arte de uno ,copiada por otros que no fueron capases de contemplar la vida a través de ellos.

    Me gusta

  29. Virginia Leopardi dice:

    Leyendo este articulo sobre forma / figura en el arte contemporáneo y su estado en el mercado económico, me encontré sorprendida leyendo esto:

    “Este cuadro es de Mikel Olazábal, un pintor muy subyugado justamente por toda la mística española de la conquista y todo eso. Pero fíjate que ese cuadro -que representa a unos conquistadores españoles del siglo XVI- se llama “La crisis”. ¿Qué quiere decir con eso? Él te está explicando que “crisis” era aquello, no lo que tenemos ahora. Ahora nos quejamos de que hay crisis y tienes un coche, y gasolina, y comiendo pollo a l’ast, y yendo al cine o a bailar con tu novia. No, la crisis era estar con una armadura en medio de la selva sin nada que comer, sin nada de qué vivir, avanzando durante siete años… Aquello era crisis. Entonces la propia pintura te está planteando un problema filosófico, que es que te estás quejando, porque somos unos mierda en comparación con aquellos hombres. Aquellos hombres, aunque su crisis era mayor, tenían unos ideales: estaban conquistando el mundo. La pintura, con el propio título te lleva a toda esta serie de divagaciones.”

    La crisis siempre impacta en nosotros según las circunstancias de cada quien, si bien algunxs podemxs vivirla yendo a bailar y comiendo  pollo a l’ast, otros la viven en la carne de sus propias vidas (muriendo como moscas) viviendo en tierras que fueron “conquistadas” por hombres con “ideales”
    La conquista fue un genocidio
    Y hoy día sigue causando muchas muertes debido a la imposición cultural que deviene en esta economía global
    En el momento de la conquista seguramente muchos de los que llevaban armadura,eran soldados a la fuerza, pero muchos otros habrán tenido la firme convicción de colaborar para un imperio colonialista que basaba su riqueza en la explotación del territorio “ganado”
    “…la crisis era estar con una armadura en medio de la selva sin nada que comer, sin nada de qué vivir, avanzando durante siete años…”
    Los hombres con armaduras estaban en tierras fértiles, abundante en alimentos y llena de vida, para  vivir. Avanzando. Hacia donde y para que?
    Mirar al otro, siempre es sano. Miremosnos.

    Me gusta

  30. Marco Lopez dice:

    Muy buenos comentarios y critica al respecto.

    Me gusta

  31. MVBSA . dice:

    La farsa de algunos artistas es creer que su arte es prodigioso…ésta es la gran farsa de hoy dia….

    Me gusta

  32. SALUDOS,las ideas son interesantes son los intereses vs. intereses,tenemos que consultar la historia que es simple dice,CREATIVIDAD es cambio aunque no sea LO MEJOR.

    Me gusta

  33. Lina dice:

    Lo mismo dijeron de los impresionistas, lo mismo dijeron de los dadaístas….. ¿Cómo hablar de arte con una mentalidad tan cerrada? Es tan sencillo como lo siguiente: el artista figurativo es virtuoso, pero ¿que puede aportar realmente nuevo y revolucionario al arte? el pintor de hoy en día tiene que aportar una nueva visión del mundo ya que el mundo está totalmente visto, así como los escultores, performanceros y fotógrafos. quedarse en lo figurativo y retomar lo clásico en pleno siglo XXI es un acto retrógrada, cómodo y poco arriesgado, los artistas contemporáneos que utilizan conceptos filosóficos, estudios del Arte entre otros métodos para fundamentar sus proyectos se amparan en bases sólidas más allá de pintar por el gusto de dominar técnicas y vender cerezas o manzanas para las habitaciones de una casa. Mientras Monet pintaba lo que ahora idolatramos Sr. Lorence Alma Tadema fue olvidado por todos nosotros a pesar de haber pintado con gran maestría, no necesitamos siquiera hacer suposiciones, la historia del arte, la historia misma nos demuestra que quien no conoce la historia esta condenado a repetirla.

    Me gusta

  34. Yair Medina dice:

    El “arte” actual que invade las salas y galerias de arte del mundo, y antes de continuar ustedes llamenme “tradiciónal” “anticuado” o de la “vieja escuela” y la verdad es que tal vez lo soy, no me importa.
    Bueno continuando, este arte actual con las mismas connotaciones del famoso urinario de Duchamp o de la famosa obra “Punto negro sobre fondo blanco” del que no recuerdo el autor, eso para mi solo significa una enorme basofia, y desde luego no le encuentro ningun valor significativo para ser presentado como tal, no esta planteado, resuelto, ni mucho menos realizado bajo conocimientos bien fundamentados ni de la técnica ni de lo teórico, es como autoproclamarse artista por escribir en un papel que lo eres, y no por demostrarlo con conocimientos teóricos o técnicos, los cuales le dan a tu mente la posibilidad de elegir entre más y diversas, tendencias, técnicas o estilos dentro del arte. Los cuales nos permitirán resolver ampliamente lo que nos propongamos, para decir con verdadero triunfo: “Yo elegí o me inclino hacia esta parte especifica dentro del amplio mundo del arte, ya que mi obra artistica no es resultado de mi poca hablidad o ineptitud, si no por que conozco, he estudiado y tengo las herramientas necesarias para proclamarme un artista de verdad”. He ahí la gran diferencia.
    Al fin de cuentas el arte es algo que maravilla, que asombra con el solo hecho de pararse frente a el, ni siquiera tienes que explicarlo ni entenderlo, es una reacción natural del cuerpo humano.

    Me gusta

  35. Arturo Rincon dice:

    Hola… el objeto de arte nos trasciende, hoy en día lo importante no es el “virtuosismo”, lo importante en mi opinión es la “instrumentación social” que como artista estableces con tu entorno inmediato… se transforma o no se transforma la realidad con tu arte…seguimos haciendo cuadros para los museos?, para los funcionarios?, para los “mecenas”?, para mi?…¿donde pones tu mirada como artista?….

    Me gusta

  36. Laura Vichi dice:

    “YO RECONSTRUYO EN MI OBRA TODA LA HISTORIA EL ARTE”

    Pensamientos sobre la enseñanza artística actual.
    Esta frase perteneciente a Salvador Dalí la escuché cuando tenía diez y seis años en una entrevista que le estaban haciendo al artista. Siempre la lleve conmigo como un eco en mi memoria; hoy puedo darle el sentido, que creo, tiene.
    Nuestras improntas expresivas a través de la pintura, el dibujo, etc. durante los diferentes periodos de nuestras vidas se corresponden con las manifestaciones culturales de la humanidad. No quiero entrar en detalles sobre las características que hacen a cada etapa evolutiva del hombre y su correlación con la historia del arte, es un tema que demandaría cientos de páginas…pero aquí van algunos escuetos ejemplos para aproximarnos a la idea. Cuando el niño representa sus imágenes siente como si realmente lo que está ocurriendo en el dibujo fuera a pasarle en la realidad, hasta encuentra soluciones creativas para sus conflictos cotidianos. Hace desaparecer tras una cortina a seres indeseables o simplemente borra al personaje que lo ha molestado. Edad antigua.
    Luego aparece una necesidad de expresar los elementos de la naturaleza captados en sus detalles más exactos, “que parezca como que está corriendo”. No hay lugar para situaciones fantásticas lejanas a lo racional. Antigüedad clásica.
    Comienza a representar imágenes a las que agrega voluntariamente, y sabiendo que eso puede no ser cierto, situaciones fantasiosas para así expresar ciertas experiencias personales de fuerte carga emocional. Edad media.
    El deseo por conquistar las proporciones y perspectivas con absoluta consciencia lo lleva a indagar sobre las técnicas y mecanismos para representar el espacio tridimensional, habiendo sido nunca antes un problema para dibujar libremente. Renacimiento. Edad moderna.
    Luego, ya adolescente, lo veremos hacer toda clase de diseños abstractos que ocuparán grandes espacios de la hoja como fluyendo a borbotones directamente desde su alma al papel y donde se encontrará consigo mismo, “abstraído” en su mundo…Etc. etc. etc…
    El estudiante de arte y la intervención académica.
    Con esta, una pequeñísima, introducción me aproximo a lo que quiero abordar. Así como cada niño representa en imágenes las diferentes Edades de la Humanidad, el estudiante de arte, durante el periodo que dura su formación artística en los institutos destinados a ello, transita inexorablemente en sus búsquedas, por los diferentes movimientos artísticos que se sucedieron en los periodos de la historia del arte: anhela poder dibujar como Leonardo, se obsesiona en el dibujo correcto de las formas orgánicas, le quita el sueño poder lograr un escorzo!… El color impresionista lo invade, adora a Van Gogh y su locura, el estudiante lo vive en carne propia, su desfasaje con la sociedad respecto de sus necesidades más profundas como artista lo llevan a empatizar con el solitario de Arles, y lo ama. Encuentra a los expresionistas, lo aleatorio del color utilizado en la forma lo dota de la libertad necesaria que él buscaba, se reconforta en la imagen que no respeta ningún canon académico. Más tarde la abstracción y las cualidades anímicas y morales del color que allí radican llaman su atención… A veces deteniéndose más en unos que en otros movimientos, van desarrollándose cronológicamente, nutriéndolo con solidez y conciencia sobre su propia búsqueda individual. ¿Por qué es tan importante el estudio de la historia del arte en la formación artística? , no solo por la mera instrucción que el profesional egresado pudiera tener sobre el tema, sino que influye directamente sobre la psiquis y el alma del estudiante haciéndolo consciente de ser un eslabón más que lo une a su pasado cultural y que inevitablemente lo enlazará a sus sucesores. “La carreta que arrastramos debe ser útil a alguien que aún no conocemos”… hermosa frase de Van Gogh que deja a las claras la conciencia que tenía sobre su misión como artista!!!
    Arte contemporáneo
    En el arte contemporáneo se desencadena toda una historia de formas y colores. Es la inevitable concreción artística que emerge de 5000 años de evolución…Es así y así debe ser! ¿Pero qué pasa cuando no se permite al estudiante transitar ese camino que reconstruye en uno, cual si fuera un reflejo espejado, toda la historia del arte?! ¿Qué pasa cuando queriéndonos hacer protagonistas del cambio ineludible y estar inmersos en la contemporaneidad omitimos los pasos que nos dan firmeza en el andar? ¿Cómo puede entender el estudiante de arte el conceptualismo actual sin poder arribarlo desde lo más íntimo de su ser creador? Todo llega a su tiempo…para abordar con consciencia lo que hoy nos toca vivir como nueva generación , las academias, institutos, facultades, deben poder ser pacientes, humildes y respetuosos del tiempo que el estudiante necesite para transitar y reconstruir en su obra toda la historia del arte y suministrar las herramientas necesarias para alcanzar con idoneidad y en florecimiento armonioso las facultades que lo hagan sentir firme y seguro ,confiado del reflejo artístico que emana de él perteneciente a una cultura que no surgió por generación espontanea sino que es consecuencia de un largo y profundo transitar humano.
    Laura Vichi
    Artista plastica
    Prof. Artes Visuales
    Maestra Waldorf

    Me gusta

  37. Personalmente… disiento de esta postura. Sí creo que el arte debe tener técnica, oficio, filosofia, historia, mucho estudio técnico y mucho estudio teórico…pero sobre todo mucha… muchisima experiencia de vida… y no me refiero al modelo, sino al kilometraje… yo creo que hay abstracciones fabulosas… agnes martin, twombly y varios mas y figurativos con mucho oficio y poco más… el arte (con minusculas a propósito) debe ser una forma de vida. Una expresión personal, puede ser sobre nuestra emoción y muy personal, político, especifico de un tiempo y un luga,, o mas universal, atemporal y desposeido de geografia… creo que la mimesis y copiar la realidad en alardes técnicos tiene poco mérito cuando es sólo eso… si además de provocar exclamaciones de asombro posee cualidades filosóficas espirituales, politicas, etc etc… tiene mayor acercamiento a las expresiones que jamás morirán. Porque no se trata de como trabajas, sino de cómo vives, para que el arte te acompañe y se convierta en cada inhalación como un canto sufi. Se trata de ver el arte en nuestra vida y no nuestra vida en el arte. Se trata de hacer, de ensuciarse las manos, de pensar, de observar… de rasparse las rodillas y el alma, es ese momento en donde el lienzo o el barro o la pluma y el papel te enfrentan… no es la exposición y la venta… aunque es deseable para poder seguir haciendo… se trata de explorar lo ignoto dentro y fuera de nuestros propios cuerpos… es acerca de los músculos adoloridos y la cabeza girando, del pensamiento rápido y las conexiones constantes… es ver un color e igualarlo, es un millon de círculos sin principio… de líneas de distinto grosor. Es enamorarse y perder. Es apostarlo todo y perder… es inumerables cervezas… es caminar descalzo. Es llorar con el corazón hecho pedazos. Son taquicardias y desconcierto al salir de un museo cuando estas tonto de tanta belleza. Es llenarte de aire cuando ya no puedes respirar… es empezar de nuevo cuando creías que habias terminado. Es comer y platicar con tus mejores amigos hasta que la luz entra por las ventanas… es probar un churro y manejar rápido y meterte al mar que te aterra… es mirar los ojos de quien mas admiras cuando los decepcionaste, cuando los impresionaste cuando por primera vez alguien creyó en ti… es la mano infinítamente perfecta de tu sobrin@ recién salió de su viaje en el líquido amniótico. Es acercarte a la muerte tanto, tanto que sientas su mano fría rozando tu mejilla y helando tu cuerpo… es acercarte a la vida tanto, tanto que se te olviden todas las palabras… es ver a la persona amada despertar a tu lado. Es verte en tu accidentado pasado y decir, a veces cansada, a veces llorando, a veces con rabia y a veces con serenidad: “aqui estoy”

    Le gusta a 1 persona

  38. Franklin berrios zapata dice:

    Si. Está claro. Ke el arte. Y su estructura de base está en Europa pero Ke no se subestime los focos del nuevo mundo latino América del Sur tiene exponentes con arraigo a nuestras raíses y costumbres No hay herencia mejor Ni técnica. Ke se le compare Cuando te charla el corazón de un autodidacta

    Me gusta

  39. Pablo Gómez dice:

    Excelente texto .

    Me gusta

  40. Luis G. Sandoval dice:

    Un artículo interesante, coincido plenamente, el arte ha servido a una gran clase financiera y una gran clase poderosa para que se hiciese millonaria manipulando el arte contemporáneo.

    Me gusta

  41. mario fernando higuera manchola dice:

    MEAN, pionero del ARte figurativo en el siglo xxl

    Me gusta

  42. mario fernando higuera manchola dice:

    MEAN, total de acuerdo con tu concepto, el siglo xx en su afán por descubrir nuevas formas dio pasó a que salen del excentricismo y pasando a lo ridículo, podemos ver en los jurados a personas corruptas dando veredictos de arte pero, estamos claros quienes verdaderamente pasaron al siglo xxl , ni las sillas en la arena ni el tarro de vinilo estrellado en la pared lo lograron, creo qué MEAN esta dando buen comienzo al siglo xxl

    Me gusta

  43. Hisman dice:

    Está claro que si repasamos la historia de la literatura y el arte nos percatamos de la continua lucha entre los defensores de los cánones clásicos y aquellos que quieren romperlos. En mi opinión, puede que sea el momento de innovar y ir más allá de la herencia de las vanguardias pero francamente, creo que como corriente ‘el hiperrealismo’ a través de la fotografía no es para nada el camino ya que en mi opinión la copia mimética de la realidad carece de introspección, se limita tan solo a copiar la realidad que se ve mientras que el arte abstracto no necesita copiar una realidad, sino que es una realidad en si misma.

    Me gusta

  44. Viendo en profundidad el tema discutido desde una visión antropologica, segun Juan Edurdo Cirlot sobre el espiritu abstracto desde la prehistoria hasta la edad media, se pue hipotizar que la manifestación cultural del hombre desde el principio estubo sujeta a su nibel intelectual, porque se denoto claramente que pasamos de lo abstracto a la figuración como desarrollo cognitivo del hombre. El arte contemporaneo es un regresar a esa primordial expresión. Yo lo veo como un faboritismo hacia diferentes sectores de sociedades que querian hacer arte y como lo dijera Eber read hay que justificarlos esteticamente de alguna forma, pero no tienen ninguna justificación acacdemica por que es la destruccion de la forma como lo expresa El MEAM. Es interesante lo que dice jhonn Eccle sobre el tercer mundo de los ceres humanos hablando de la cultura y eso es lo que creo que hay que analizar. gracias

    Me gusta

  45. Maria Teresa Cruz Correia marques dice:

    Muito bom, já visitei duas vezes este museu em Barcelona

    Me gusta

  46. Es hora que se deje de creer que es arte o que es incomprensible para la gente. El arte debe ser producto de la técnica y comprensible para todos. Se logra mediante la pintura figurativa

    Me gusta

  47. isecoa dice:

    EN EL ARTE CONTEMPORANEO, EN LA ACTUALIDAD, LAS DISTINTAS MANIFESTACIONES ARTISTICAS, DESDE LA PERFORMANCE A LA INSTALACIÓN PASANDO POR LA PINTURA Y LA ESCULTURA, CONSERVAN ALGO MUY IMPORTANTE “LA DISCIPLINA”. LA TECNICA Y EL OFICIO REQUIEREN DE ÉSTA. NO SE DE DONDE ESTE ELOCUENTE DISCURSO POPULISTA.

    Me gusta

  48. Comparto casi en su totalidad los conceptos vertidos por el entrevistado

    Me gusta

Responder

Introduce tus datos o haz clic en un icono para iniciar sesión:

Logo de WordPress.com

Estás comentando usando tu cuenta de WordPress.com. Cerrar sesión / Cambiar )

Imagen de Twitter

Estás comentando usando tu cuenta de Twitter. Cerrar sesión / Cambiar )

Foto de Facebook

Estás comentando usando tu cuenta de Facebook. Cerrar sesión / Cambiar )

Google+ photo

Estás comentando usando tu cuenta de Google+. Cerrar sesión / Cambiar )

Conectando a %s